Островский о своей пьесе “гроза” и ее постановках в театре

История создания и постановки

Драма «Гроза»

История создания и постановки драмы «Гроза»

С деятельностью великого русского драматурга Александра Николаевича Островского (1823- 1886) связана целая эпоха в развитии русского театра. За сорок лет напряженного труда — с 1847 по 1886 год — им написано около пятидесяти оригинальных пьес.

Продолжая лучшие традиции драматургии Фонвизина, Грибоедова, Пушкина, Гоголя, Островский окончательно утвердил на русской сцене оригинальную, самобытную по своему содержанию и форме, русскую национальную драматургию.

Он создал богатый, высокохудожественный национальный репертуар для русского театра. В произведениях А. Н. Островского нарисована многообразная, широкая картина жизни русского общества середины и второй половины XIX века.

Обратите внимание

Драма «Гроза» является одним из самых замечательных художественных творений А. Н. Островского. Писать «Грозу» драматург начал в июне-июле 1859 года и закончил ее 9 октября того же года. Впервые пьеса была опубликована в журнале «Библиотека для чтения», 1860, № 1. В том же году вышла отдельным изданием.

«Гроза» написана А. Н. Островским в годы, когда тема «свободы чувства», «эмансипации женщины», «семейных устоев» являлась весьма популярной и злободневной.

В литературе и драматургии ей был посвящен целый ряд произведений. Поэтому «Гроза» была встречена с величайшим интересом. Причем ни одно из произведений А. Н.

Островского не вызвало в печати такой ожесточенной полемики, какая началась вокруг «Грозы».

Одним из первых на новую пьесу откликнулся Добролюбов — широко известна его статья «Луч света в темном царстве», появившаяся в октябрьском номере «Современника» за 1860 год. В своей статье критик утверждал, что А. Н. Островский в «Грозе» изобразил «мертвящие начала» власти «темного царства», а Катерину он назвал «светлым лучом в темном-царстве».

Своеобразную позицию в полемике о «Грозе» занимал А. Григорьев, большая по объему статья которого «После «Грозы» Островского» печаталась в трех номерах «Русского мира» (январь — февраль 1860 года).

Острая борьба вокруг «Грозы», развернувшаяся в пору ее появления в печати и на сцене, продолжалась и в последующие годы. Так, большой резонанс получила опубликованная в мартовском номере журнала «Русское слово» за 1864 год (то есть четыре года спустя после публикации и постановки пьесы) статья Д. И. Писарева «Мотивы русской драмы».

31 октября 1859 года «Гроза» была разрешена драматической цензурой. Первое представление состоялось 16 ноября 1859 года в московском Малом театре. Этот спектакль, блестящий по составу артистов, явился выдающимся театральным событием. Критика особенно выделяла игру Л. П. Косицкой-Никулиной в роли Катерины и П. М. Садовского в роли Дикого.

В Санкт-Петербурге «Гроза» впервые была представлена 2 декабря 1859 года в Александринском театре. По мнению тогдашней критики, этот спектакль все же уступал московскому. Ф. А. Снеткова очень хорошо выражала моральную чистоту, поэтичность Катерины, но лишила ее бытовых красок и по внешнему облику походила более на петербургскую барышню. Ф. А.

Важно

Бурдин портил роль Дикого чрезмерной суетливостью и крикливостью. Е. М. Левкеева в основном правильно воссоздавала образ Варвары, но в ряде случаев придавала ему излишнюю грубость и т. д. Кроме того, при наличии прекрасных, в основном, исполнительских сил, спектакль, как и в Москве, весьма снижался небрежным, бедным декоративным оформлением.

В Москве и в Петербурге «Гроза» А. Н. Островского шла с исключительным успехом. Все первые ее представления сопровождались аншлагами. Очень хорошо она принималась и в провинции (хотя бывали случаи, когда в провинции «Грозу» снимала с репертуара местная власть). Играть в пьесе «Гроза» стремились многие лучшие артисты.

В настоящее время «Гроза» прочно вошла в репертуар русских драматических театров Москвы, Санкт-Петербурга и многих других городов России и зарубежья.



Источник: https://scribble.su/ege/universal/118.html

«Гроза» на Новой сцене Театра им. Вахтангова

Текст: Юлия Бурулёва
Фото: Евгений Чесноков

«Отчего люди не летают?! Я говорю, отчего люди не летают так, как птицы?» — этот монолог Катерины, главной героини пьесы Александра Островского «Гроза» на протяжении 150 лет не оставляет равнодушным ни скептиков, ни циников, ни тем более лириков и романтиков… Вот уж точно, классика — вечна, как и бесконечное множество её интерпретаций, жарких дискуссий и точек зрения. Невозможно подсчитать, в скольких театрах поставлена эта пьеса, в скольких тысячах школьных сочинений и университетских докладах анализируется её содержание и смысл, портретные характеристики героев. Но факт остаётся фактом — и сейчас, в XXI веке, «Гроза» Островского актуальна, интересна, остра, у каждого в душе оставляет свой уникальный отпечаток — ведь восприятие искусства индивидуально. В театральном мире роль Катерины относится к вершинам женского трагического репертуара, в этот персонаж перевоплощались самые известные актрисы всех веков.

25 марта на Новой сцене Государственного академического театра им.Евгения Вахтангова состоится премьера спектакля «Гроза» по одноименной пьесе А.Н.Островского.

Режиссером-постановщиком выступает Уланбек Баялиев, в ролях — Евгения Крегжде, Ольга Тумайкина, Леонид Бичевин, Василиса Суханова, Екатерина Нестерова, Павел Попов, Александр Горбатов, Евгений Косырев, Юрий Красков, Анатолий Меньщиков, Евгений Пилюгин, Виталий Семеновс и другие. Перед зрителями в необычной инсценировке ожили персонажи Островского, которые в тисках предрассудков, стереотипов и жёстких общественных норм задыхаются без свободы и любви, отчаянно стремятся к гармонии и душевному балансу.

Режиссёр Уланбек Баялиев: «Нам хотелось сочинить архаичный, поэтичный спектакль, понятный современным зрителям: про человека, про любовь, про боль. Сейчас очень не хватает глубокого, подробного разговора о человеке. Мир живет в страшной спешке, так что мы не успеваем самое главное: поговорить, рассказать, добраться до глубины в человеческих отношениях.

»

Главная героиня «Грозы» Катерина – молодая замужняя женщина – впервые испытывает сильную любовь к мужчине, который не является ее мужем.

Это чувство превращается в роковое испытание для нее, ибо ни ее воспитание, ни общий уклад жизни не позволяют ей покинуть семью ради возлюбленного, который к тому же не готов принять ее…

В душе Катерины (Евгения Крегжде) нет покоя и умиротворения: «Такая уж я зародилась горячая». Чувственной, искренней, страстной и порывистой девушке неуютно в тех обстоятельствах, в которых она живёт.

Катерина не хочет обманывать и делать больно близким, её угнетает властность и деспотизм свекрови, она жалеет бесхарактерного мужа Тихона, боится своих чувств к Борису (Леонид Бичевин), ощущение вины и обмана ранит её душу. Женщина мечтает о счастье и внутренней свободе, как и все люди на Земле.

Совет

Но мечты оборачиваются трагедией… В «Грозе» каждый герой ищет себе человека, каждый жаждет общения.

Создатели спектакля неожиданно взглянули на образ Кабановой (Ольга Тумайкина) и Дикого (Александр Горбатов). Режиссёр Уланбек Баялиев говорит об этих персонажах: «В учебниках литературы их называют главными злодеями «Грозы», повелителями «темного царства».

А ведь между ними когда-то могла случиться первая, настоящая любовь… Может, Кабаниха отказалась от своей любви, чтобы выйти замуж за не любимого, но понятного и надежного? И не оттого ли ее дети не вспоминают отца, что он «сгорел» слишком рано и не оставил о себе памяти? Может, теперь Кабаниха узнаёт во влюбленной Катерине себя молодую и хочет уберечь своего сына Тихона от трагической судьбы нелюбимого мужа?»

«Кабаниха» в виртуозном исполнении Ольги Тумайкиной — эффектная, стильная женщина, ощущающая личностный дискомфорт, и отчасти поэтому подозрительная, въедливая и жестокая к окружающим, словно тигрица защищающая своего сына от всего и всех. Её поведение тоже чем-то обусловлено — скорее всего недостатком любви и внимания, которое она отчаянно пытается привлечь.

И сегодня сплошь и рядом живут такие же Кабанихи, которые раньше были купцами, а сейчас трансформировались в, например, расчётливых и бескомпромиссных бизнес-леди.

В погоне за кажущимися важными призрачными материальными, карьерными, амбициозными ценностями, они перестают ценить тепло человеческого общения и качества души, не слушают и не хотят слышать и чувствовать близких, а потом горько жалеют об этом…

Её сын Тихон — мягкий, бесхарактерный «маменькин сынок», который боится проявить волю, да и скорее всего такое качество характера, как мужество, давно улетучилось в страхе перед деспотичной матерью. Борис — тоже совсем неоднозначный персонаж, хотя он и любит Катерину, но не готов пойти против общественного мнения и устоев ради свои чувств. Настолько ли сильна его любовь? Кулигин, как и написано у Островского, — светлый человек, живая душа, мудрый философ. По-мнению режиссёра, Кулигин – наверное, самый одинокий из героев Островского. Нельзя не отметить обаяние Евгения Косырева в роли странницы Феклуши, произносящей много очевидных и тонко завуалированных философских истин. Все другие персонажи — также целостные образы со свей судьбой и драмой.

Музыку специально для спектакля написал композитор Фаустас Латенас. По его словам — это «реквием любви», ведь в «Грозе» умирает любовь. Оригинальная музыка, сценография постановки придаёт неповторимый колорит и усиливает эффект от происходящего действия. По сценической задумке художников, на сцене неожиданно перевёрнут парус, держащийся на накренённой под углом мачтой, устремлённый ввысь.

Возможно у кого-то сценография спектакля (художник Сергей Австриевских) вызовет некоторый диссонанс — далеко не у всех мачты и паруса ассоциируются с Волгой, которая у Островского занимает важное место в пьесе. Если явление грозы символизирует несчастье и боль, то Волга олицетворяет Свободу, Мечты и Любовь. Но как тонко заметил актёр Евгений Косырев на пресс-конференции: «У всех в сердце живёт своя Волга. И какая она — большая, красивая или другая — зависит от нас».

Обратите внимание

Мне — не только как корреспонденту, но и как зрителю, такое сценическое решение показалось мощным, глубоким и чутким. Накренённая мачта и перевёрнутый вниз парус ассоциируются с приземлённостью окружающей действительности, жестокостью мира и символизируют нереализованные надежды и утраченные иллюзии.
В постановке «Грозы» театром Вахтангова, как верно подметил художественный руководитель театр Римас Туминас, нет концепции и трактовок, банального и привычного «светлого» и «тёмного» царств (которые сами по себе призрачны и утопичны).

В этом спектакле есть Человек с его пороками и добродетелями, радостями и горестями, многоликие Личности — ни хорошие, ни плохие, а такие, какие есть.
Трагедия в том, что многие так же как Катерина, в поисках Гармонии сбегают от действительности в другой мир или замыкаются в себе и прячутся под панцирем равнодушия и отрешённости, постоянно носят циничные маски и боятся показать истинные чувства и желания… Как сложно, наверное, жить человеку, когда он страшится поверить во что-то хорошее, что может его спасти от падения в бездну хаоса и отчаянья души. И может наступить такой момент, что уже ничего нельзя изменить… Сейчас многие уходят в виртуальную реальность интернет-пространств, где так легко спрятаться, но это миф — от себя не убежать.

Спектакль «Гроза» — получился философским, трепетным, Живым! Что замечательно — при чёткости и продуманности всех мизансцен и линий, сохраняется ощущение импровизации, всё происходящее воспринимается максимально естественной и реально. Такой атмосферности и достоверности всегда очень сложно добиться, и безусловно приятно, когда удаётся этого достичь. Поздравляем всех создателей с премьерой пронзительной постановки об одиночестве и поиске своего места в жизни, искушениях, страстях и выборе!

Источник: https://rblogger.ru/2016/03/24/groza-teatr-vahtangova/

После «Грозы»

16 и 17 июня в БДТ имени Г. А. Товстоногова состоится премьера — спектакль Андрея Могучего «Гроза» по одноименной пьесе Александра Островского. Diletant.media решил вспомнить историю драмы. О первой постановке «Грозы» и реакции современников на пьесу расскажет Екатерина Астафьева.

Первая постановка

Впервые «Гроза» Островского была поставлена на сцене Малого театра 16 ноября 1859 года. Премьера совпала с бенефисом актера Сергея Васильева, которому досталась роль Тихона. Некоторых героев играли люди, специально для которых драматург писал роли.

Например, в Катерину перевоплотилась актриса Любовь Никулина-Косицкая, Кабаниху сыграла Надежда Рыкалова, а Варвара Бороздина даже подарила имя героине пьесы. «Гроза» Островского была поставлена в Малом театре 16 ноября 1859-го

Публика была в восторге, пресса пестрела хвалебными рецензиями.

Читайте также:  Евгений в поэме "медный всадник" пушкина: образ, характеристика, жизнь, судьба героя

Автор «Отечественных записок» Дудышкин писал: «В городке, в котором люди умеют богатеть, в котором непременно должна быть одна большая, грязная улица и на ней нечто вроде гостиного двора, и почётные купцы, о которых г.

 Тургенев сказал, что они «трутся обыкновенно около своих лавок и притворяются, будто торгуют» — в этаком-то городке, каких мы с вами видали много, а проезжали, не видав, ещё более, произошла та трогательная драма, которая нас так поразила».

«Гроза» в Петербурге

Вторая премьера «Грозы» состоялась 2 декабря 1859 года уже в Петербурге.

На этот раз для зрителей распахнул свои двери Александринский театр. Публика восприняла спектакль благосклонно. Критики особенно отмечали Александра Мартынова, который раскрыл свой талант в роли Тихона. Евдокия Панаева, жена литератора Ивана Панаева, пишет в своих воспоминаниях: «Я была на первом представлении «Грозы» Островского.

Мартынов так сыграл свою роль, что дух замирал от каждого его слова в последней сцене, когда он бросился к трупу своей жены, вытащенной из воды. Все зрители были потрясены его игрой. В «Грозе» Мартынов показал, что обладает также замечательным трагическим талантом». К сожалению, судьба актера оказалась трагична: летом 1860-го он скончался от чахотки.


Актер Александр Мартынов прославился исполнением роли Тихона

Гликерия Федотова в роли Катерины, Малый театр, 1866

Спустя год после петербургской премьеры пьеса перешла в репертуар Мариинского театра, а оттуда — на провинциальные сцены. В 1860-м «Гроза» вышла в печать: сперва она появилась в журнале «Библиотека для чтения», а затем — отдельным изданием.

Темное царство

Важно

Многие знаменитые критики сочли своим долгом написать отзыв на драму Островского. В трех критических статьях, вышедших в «Современнике» в 1859—1860 годах, Николай Добролюбов рассматривает город Калинов как «темное царство». Он определяет главные правила драмы и затем выясняет, что в пьесе Островского большинство из них нарушено. Тем не менее автор считает, что «Гроза» — «самое решительное произведение Островского». О самом драматурге Добролюбов пишет: «Островский обладает глубоким пониманием русской жизни и великим уменьем изображать резко и живо самые существенные ее стороны».

Эскизы декораций Головина к «Грозе», 1916

Писарев против Добролюбова

С Добролюбовым полемизирует Дмитрий Писарев в статье «Мотивы русской драмы». То, что первый критик величественно именует «темным царством», второй называет попросту «семейным курятником», вспоминая известную поговорку «яйца курицу не учат». И тем более Писарев не считает Катерину «лучом света». Со свойственным ему скепсисом критик емко описывает поведение героини и суть пьесы: «Вся жизнь Катерины состоит из постоянных внутренних противоречий; она ежеминутно кидается из одной крайности в другую; она сегодня раскаивается в том, что делала вчера, и между тем сама не знает, что будет делать завтра; она на каждом шагу путает и свою собственную жизнь, и жизнь других людей; наконец, перепутавши все, что было у нее под руками, она разрубает затянувшиеся узлы самым глупым средством, самоубийством, да еще таким самоубийством, которое является совершенно неожиданно для нее самой».
Иван Гончаров, служивший цензором, оставил о «Грозе» лестный отзыв

«Гроза» на сцене Малого театра, 1962

Цензор Гончаров

Лестный отзыв можно найти в короткой статье Ивана Гончарова, который ко времени премьеры служил цензором. Писатель замечает: «Не опасаясь обвинения в преувеличении, могу сказать по совести, что подобного произведения, как драмы, в нашей литературе не было. Она бесспорно занимает и, вероятно, долго будет занимать первое место по высоким классическим красотам». Гончаров обращает отдельное внимание на язык действующих лиц — «художественно верный, взятый из действительности, как и самые лица, им говорящие».
В статье «Мотивы русской драмы» Писарев полемизирует с Добролюбовым

После «Грозы»

В статью «После «Грозы» сложились письма критика Аполлона Григорьева к Ивану Тургеневу. Григорьев рассматривает пьесу как произведение народного поэта. Об Островском он пишет: «Островский прежде всего драматург: ведь он создает свои типы не для г. -бова (Добролюбова, прим. «Дилетанта»), автора статей о «Темном царстве», — не для вас, не для меня, не для кого-нибудь, а для массы, для которой он, пожалуй, как поэт ее, поэт народный, есть и учитель, но учитель с тех высших точек зрения, которые доступны ей, массе, а не вам, не мне, не г. -бову, с точек зрения, ею, массой, понимаемых, ею разделяемых».

Источник: https://diletant.media/articles/29383974/

Сценическая история “Грозы” Островского

Островский никогда не пренебрегал возможностью писать роли, имея в виду талант определенных артистов.

И роль Катерины Кабановой, навеянная рассказами Косицкой о своей молодости и еще больше самим психологическим складом исполнительницы, была написана “на нее” и для нее.

И нет ничего случайного в том, что первое исполнение было полным слиянием таланта драматурга и актрисы, возможности которой он так полно сумел почувствовать.

Катерину играли потом Федотова и Ермолова, Фанни Снеткова и Стрепетова, а ближе к нашему времени Пашенная и Еланская. И каждая вносила в эту роль свои краски. Историк театра Е. Холодов сделал остроумное наблюдение: у каждой большой актрисы в этой роли

Была ключевая. фраза, которая как камертон определяла главный смысл образа. У Стрепетовой: “Отчего люди не летают?” У Федотовой: “Не могу я больше терпеть!” У Ермоловой: “А горька неволя, ох, как горька!” У Никулиной-Косицкой: “В могиле лучше… Под деревом могилушка… Как хорошо!”

И далее, вплоть до наших дней, не прекращались поиски режиссеров и исполнителей, попытки понять, как вернее, глубже поставить эту пьесу, социальную и поэтическую одновременно, но особенно враждебную штампу “бытового Островского”.

Н. П. Охлопков пробовал ставить “Грозу” как высокую трагедию. Сцена свидания развертывалась у него не в овраге, а на утесе, и ниспадающие складки платья статной Е. Козыревой, игравшей Катерину, как и вся ее поступь, напоминали античные образцы. А Б. А.

Совет

Бабочкин в последней по времени постановке пьесы на сцене Малого театра находил разгадку образа Катерины в том, что она казалась ему необыкновенно юной, восемнадцатилетней женщиной, только-только начавшей жить, и это окрашивало пьесу в тона молодой романтики.

Совсем мало знаем мы, к сожалению, о том образе Катерины, какой создала Е. Н. Рощина-Инсарова на сцене Малого театра в начале нашего века, а но дошедшим до нас отзывам это было нечто совсем особенное, незаурядное. “Десятки Катерин проходят в моей памяти,- вспоминал Вас. И.

Немирович-Данченко,- и большинство артисток давали этой роли именно волжский, я бы сказал, этнографический тип.

Рощина-Инсарова раздвинула его во всю ширь человеческого страдания, сделала родным и близким не одному уголку жизни-у нее это был тип мировой, одинаково близкий каждому чуткому – сердцу и тонкому художественному пониманию”.

Этому мнению Вас. И. Немировича-Данченко вторил режиссер А. И. Южин, вспоминавший иконописный лик Катерины – Рощиной и ее огромные “магнетические глаза”.

“У Рощиной,- писал Южин,- любовная трагедия Катерины бледнела перед муками ее чуткой совести. Даже в знаменитой сцене с ключом, в ее “Будь. что будет, а я Бориса увижу! Ах, кабы, ночь поскорее!..

” – в ее голосе и особенно в ее глазах слышался и виделся ужас перед желанным счастьем.

В 50-60-е годы прошлого века Московский Малый театр стал домом Островского. Велика радость драматурга оказаться в кругу великолепных актеров-единомышленников, какими были Пров Садовский, Сергей Васильев, Никулина-Косицкая.

Велико счастье называть театр своим театром. Но такая привилегия дается не навсегда. То, что привлекало новизной, становится привычным; что ошеломляло как открытие, застывает в очерченных рамках традиции.

Ветшают не только декорации, но и интонации.

Еще при жизни великого драматурга, во второй половине его деятельности, произошло то, что он потерял прежнее взаимопонимание с театром и уж совсем не был понят театральной критикой.

Обратите внимание

В результате такие пьесы, как “Поздняя любовь” и “Горячее сердце”, в Москве еще встреченные кисло-благожелательно, в Петербурге ожидал решительный провал.

Совсем редки стали театральные триумфы Островского, памятные зрителям по премьерам его пьес в Малом театре 50-х годов. Может быть, драматург стал писать хуже? Нисколько.

Существенная причина этого состояла, как видно, в том, что и театр, и критика обвыклись с неким штампом “купеческой” пьесы Островского и с сомнением оглядывались на попытки драматурга искать себя в иных темах и жанрах, переосмыслять старые сюжеты.

Не нужно особой наблюдательности, чтобы заметить: сюжетная канва многих ранних пьес Островского как бы повторяется в его позднейшей драматургии. “Горячее сердце” по многим ситуациям и расстановке лиц напоминает “Грозу”, “Лес” – “Воспитанницу”, и т. п.

С точки зрения психологии творчества тут нет; ровно ничего загадочного. Подобно Мольеру и Шекспиру, Островский не придавал большого значения новизне. интриги, справедливо полагая, что главное в театре – не эффектность действия, а новый свет, бросаемый на лица, характеры, отношения людей. Но вопреки мнению современной драматургу критики он возсе не повторялся.

Ставя знакомые по прежним его пьесам характеры в новые положения, следя за движением и трансформацией открытых им прежде типов, Островский хотел художественно осознать те перемены, что произошли в русской жизни. А это неизбежно влекло за собою поиски новых жанров, ритма действия.

Говорили, будто поздний Островский стал похож на Сарду, Фелье, Скриба, Ожье – вероятно, освоил легкость, энергию интриги, отличавшие модных французских драматургов, перенес на московскую Театральную площадь темпы действия из театров на парижских бульварах.

Но не вернее ли думать, что повышенный, порой лихорадочный по сравнению со старыми “купеческими” пьесами сценический ритм своим происхождением обязан не заимствованию или выучке у “драмоделов”? Биржевые аферы, небывалые по масштабу плутни и спекуляции, граничащие с уголовщиной, быстро составлявшиеся и лопавшиеся состояния породили героев “Бешеных денег” и пьесы “.Волки и овцы”.

(No Ratings Yet)
Загрузка…

Сценическая история “Грозы” Островского

Другие сочинения по теме:

  1. Кто боится “грозы” в одноименной пьесе Островского? “Идеальность” Катерины – не девичья идеальность наивной души. За нею горький опыт принуждения себя: жизнь с нелюбимым мужем, покорность злой…
  2. Краткое содержание “Грозы” Островского Первая половина XIX в. Вымышленный приволжский городок Калинов. Общественный сад на высоком берегу Волги. Местный механик-самоучка Кулигин беседует с молодыми…
  3. Особенность Островского как драматурга Театр, жизнь провинциальных актрис в конце 70-х годов, примерно в то время, когда Островский пишет пьесы об актерах, показывает и…
  4. Жизнь театра и судьба артиста в пьесах А. Н. Островского Островский писал для театра. В этом особенность его дарования. Созданные им образы и картины жизни предназначены для сцены. Поэтому так…
  5. Темы сочинений и рефератов по комедиям Островского 1. Смех как средство выражения позиции автора в комедиях Островского. 2. Нравственная проблематика комедии “Свои люди – сочтемся”. 3. “Недоросль”…
  6. Идейная направленность первых комедий Островского Субъективно Островский, действительно, осуждал растущие “пороки и недостатки” мещанско-купеческих и чиновничьих слоев ради “торжества добра, правды, закона”. Из всего этого…
  7. Анализ пьесы Островского “Бедная невеста” В “Бедной невесте” Островский избрал вторую из этих возможностей, но осуществил ее не совсем уверенно. Он сделал Машеньку личностью довольно…
  8. Театр в изображении Островского Театр в изображении Островского живет по законам того мира, который знаком читателю и зрителю по другим его пьесам. То, как…
  9. Каково Островского место в идейной борьбе эпохи? В 60-80-е годы Островский создал ряд сатирических произведений, рисующих дворян и новых буржуазных дельцов (“На всякого мудреца довольно простоты”, “Бешеные…
  10. Темы “горячего сердца” и “темного царства”, драматургический конфликт в пьесе Островского “Гроза” Цели: проверить знание содержания прочитанных действий драмы “Гроза”; совершенствовать умение комментировать и выразительно читать сцены из пьесы, определять конфликт и…
  11. Не главные персонажи в пьесе Островского “Гроза” А. Н. Островский по праву считается певцом купеческой среды, отцом русской бытовой драмы, русского национального театра. Его перу принадлежит около…
  12. Персонажи “Горячего сердца” Островского Обаяние героев “Горячего сердца”, даже отрицательных, рождается из того, что они, по воле автора, наделены, помимо хитрости и жестокости, великим,…
  13. Русский национальный театр и “Театр Островского” Почти пятьдесят пьес написано Островским. Одни из них более, другие менее известны. Одни постоянно идут на сцене, экранизированы в кино…
  14. Новизна в жанрах бытовой драмы и комедии у Островского В пьесах, посвященных старой теме “темного царства”, Островский находит новые повороты действия и новый колорит. Ведь за минувшие годы “темное…
  15. Что сильнее в Катерине – веление сердца или веление нравственного долга? (По драме А. Н. Островского “Гроза”;) Гроза Островский А. Н Что сильнее в Катерине – веление сердца или веление нравственного долга? (По драме А. Н. Островского “Гроза”) Драма А. Н….
  16. Особенности драматургии Островского: особая роль диалога, народность языка Островский создавал свои пьесы в сознательном противоборстве с выдуманным миром охранительно-романтичной мелодрамы и плоским зубоскальством натуралистического псевдореалистического водевиля. Его пьесы…
  17. Своеобразие драматургии А. Н. Островского Большинство выдающихся русских писателей, которые впервые выступили в литературе в 1840-е годы, обращались преимущественно к эпосу или лирике. Некоторые из…
  18. Пьесы А. Н. Островского “Гроза” и А. П. Чехова “Вишневый сад” В обеих пьесах пейзаж удивительно красив, хотя трудно сравнивать захватывающие волжские виды, открывающиеся с того места, где расположен город Калинов,…
  19. Сценическая структура пьесы “Слово о збуреню пекла” Интересующая нас пьеса сохранилась в нескольких поздних списках XVIII в.1 и впервые была опубликована Иваном Франко в 1896 года. По…
  20. Пафос пьесы Островского “Бесприданница” “Бесприданница” отражает новый по сравнению с “Грозой” этап развития России. Перед нами проходит пореформенная Русь иными героями, иными социальными конфликтами…
Читайте также:  Мораль басни "орел и пчела" крылова (анализ, суть, смысл)

Источник: https://ege-russian.ru/scenicheskaya-istoriya-grozy-ostrovskogo/

Драма А. Н. Островского «Гроза» на

Драма А. Н. Островского «Гроза» на сцене и в кино

Содержание Презентация содержит факты о постановках драмы «Гроза» на сцене. Имена первых актеров и информацию о прототипах главных героев пьесы. В презентации есть интересные факты о постановках и режиссуре. Презентация содержит фото из постановок и экранизаций пьесы «Гроза» . Также представлены фото актеров и их героев.

Первая постановка А. Н. Островский с группой актеров и театральных деятелей. В русскую культуру реализм пришел к середине 19 века – появляются пьесы А Н. Островского и И. С. Тургенева, картины П. А. Федотова, проза Ф. М. Достоевского и поэзия Н. А Некрасова. Актёрское искусство изменялось вместе с драматургией, ломая старые представления о том, что такое правда на сцене. Можно даже, хотя и с большой долей условности, назвать дату утверждения реализма в русском театре – 16 ноября 1859 г. Это был день премьеры в Малом театре пьесы “Гроза” Александра Николаевича Островского (1823 – 1886).

В основу сюжета легли впечатления Островского от литературной экспедиции по Волге в 1856 -1857 гг. Исследователи творчества Островского справедливо считают, что герои пьесы имели реальных прототипов, живших в середине 19 века в Костроме – городе, с которыми в жизни Островского связано очень многое.

Важно

Называется даже конкретная семья – мещан Клыковых, где невестка в итоге тоже покончила с собой в бурных водах Волги. И до сего дня утверждается, что все подробности этой истории можно прочесть в сохранившемся уголовном деле, заведенным костромской полицией по факту обнаружения трупа Клыковой в Волге. Живший в Костроме Островский прекрасно знал горожан, в том числе и семью Клыковых. А так как город был еще совсем небольшой, то все жители знали друг о друге буквально все. Вот и подглядел Островский историю “Грозы”.

С точки зрения критика, характер Катерины составляет шаг вперёд во всей русской литературе того времени. В образе Катерины является решительный, непримиримый русский характер. Но в первую очередь поражает его своеобразность. Ничего в нём нет чужого, внешнего, всё выходит изнутри. В её молодой душе начинает зарождаться глухой протест против «тёмного царства» , которое не дало ей желанной любви и свободы, независимости. Этот протест растёт… Катерина кончает жизнь самоубийством.

Из спектаклей, сыгранных по пьесам Островского, пожалуй, наибольший успех имела «Гроза» . Спектакль поставлен В. Пашенной и М. Гладковым, оформлен Б. Волковым, музыку написал Р. К. Щедрин. Премьера состоялась 9 января 1962 года. Встретившись перед премьерой с корреспондентом газеты «Вечерняя Москва» , Пашенная говорила: «Нам хотелось по-новому, с позиций сегодняшнего дня, прочесть «Грозу» , страстно рассказать о трагедии русской женщины, о луче света в темном царстве» . А вот мнение о готовившемся спектакле М. Гладкова: «Нам хочется создать на сцене театра народную драму. Мы придерживаемся добролюбовской трактовки» .

Герои и декорации Открывался занавес, и зрители видели на краю обрыва церковь, а за обрывом открывался прекрасный вид на раздолье реки. Некоторое время сцена оставалась пустой, все внимание зрителей сосредотачивалось на декорации. Вот как по этому поводу писал критик: «Тонко разработанная в свете, скупая в деталях декорация Волкова передает атмосферу пьесы, создает у зрителей предрасположение к восприятию спектакля. И когда появляются действующие лица, они попадают в эту подготовленную атмосферу и настроение» .

Конфликт в пьесе Чаще всего это пьесу рассматривают как социально- бытовую драму: конфликт Катерины и «темного царства» (по определению Добролюбова). Но конфликт драмы глубже: он лежит в сфере религиозно-нравственной, и поэтому определение драмы как социально-бытовой недостаточно. Название «социально-нравственная драма» точнее отражает характер конфликта. Название пьесы имеет символическое значение, хотя в ней действует гроза и как физическое явление. Метафора грозы подразумевает ее очистительную силу.

Вокруг спектакля разразилась буря. Так бывает, когда художник нарушает принятые эстетические или этические нормы. Великий артист М. С. Щепкин много сделал для победы реализма на сцене, но даже он не принял пьесу Островского: она показалась ему просто неприличной.

«Гроза» в критике Обстоятельный анализ «Грозы» дал критик журнала «Современник» Н. А. Добролюбов. Его статья «Луч света в тёмном царстве» , написанная с позиции революционера-демократа, продолжила его размышления о драматургии Островского, начатые в статьи «Тёмное царство» . Добролюбов использовал точные образы-символы «тёмного царства» и «луча света в тёмном царстве» . Его анализ остаётся классической трактовкой произведения.

Сочинение драматурга нашло талантливого защитника в лице критика Николая Александровича Добролюбова, увидевшего в пьесе утверждение права каждого человека на внутреннюю свободу. Он назвал Катерину «лучом света в темном царстве»

Писарев о «Грозе» Д. И. Писарев в своей статье «Мотивы русской драмы» решительно отверг вывод Добролюбова о том, что Катерина – подлинная героиня нового исторического периода. Его анализ окарикатурил и «Грозу» , и Добролюбова. По мнению Писарева, Добролюбов увлёкся симпатией к характеру Катерины и принял её за личность, за светлое явление. Во всех поступках Катерины заметна, прежде всего, несоразмерность между причинами и следствиями. Каждое внешнее впечатление потрясает весь её организм. Самое ничтожное события, самый пустой разговор производят в её чувствах, мыслях и поступках целые перевороты.

Эскизы к спектаклю

«Первая» Катерина Первой исполнительницей роли главной героини, Катерины, была прекрасная актриса Любовь Павловна Никулина-Косицкая (1827 -1868). Это была первая Катерина на русской сцене, основательница традиции исполнения. Важен факт участия актрисы в создании этого образа – монологи Катерины были написаны автором под влиянием рассказов Косицкой о своем детстве, своих переживаниях, мечтаниях.

Совет

В своей «Записке об авторских правах» Александр Николаевич Островский писал, что «без пьесы, как бы ни были талантливы актеры, играть им нечего» , однако при этом он признавал, что и драматургу без актера трудновато. «Все Каринэ лучшие произведения мои писаны мною для какого-нибудь Фолиянц сильного таланта и под влиянием этого таланта» , – заметил он в другой своей статье. Одним из таких талантов, и даже первой среди них, Островский назвал Любовь Павловну Косицкую (после замужества Никулину-Косицкую), выдающуюся русскую актрису, которая двадцать лет играла на сцене Малого театра. «У ней действует сама природа, она говорит, как чувствует» , – писал современный критик о Любови Павловне, покорившей своей игрой всю театральную Москву. Вся жизнь Косицкой, с самого рождения, давала пищу ее замечательному таланту. Островский воскликнул: «Сам Бог создал вас для этой роли!» А зал ревел и грохотал аплодисментами. Успех был поистине оглушительный.

Рощина-Инсарова Е. русская Н. драматическая актриса. сестра народной артистки СССР В. Н. Пашенной. П. Стрепетова в роли Катерины. «Гроза» . Пушкинский театр А. А. Бренко в Москве. 1880. Г. Н. Федотова в роли Катерины. Малый театр. Москва. Фотография. 1866.

Афиша к спектаклю Гроза Год выпуска: 1934 Режиссер: В. Петров В ролях: Алла Тарасова Иван Чувелев Варвара Массалитинова Михаил Жаров

Режиссер: Петров Владимир В главных ролях: Жаров Михаил, Тарханов М. , Тарасова Алла год выхода: 1934

Сцены из фильма

Сцены из фильма

1961 год n ДЕЙСТВУЮЩИЕ ЛИЦА И ИСПОЛНИТЕЛИ Савел Прокофьевич Дикой — М. Жаров Марфа Игнатьевна Кабанова — В. Н. Пашенная Тихон Иванович Кабанов — В. Доронин Катерина, его жена — Р. Нифонтова Варвара — О. Хорькова Кулигин — С. Маркушев Шапкин, мещанин — Б. Сазонов Феклуша, странница — Е. Шатрова Глаша — девка в доме Кабановых — А. Щепкина Барыня, полусумасшедшая — Е. Гоголева Ваня Кудряш — Г. Сергеев Постановка В. Пашенной и М. Гладкова Музыка Р. Щедрина Хор и оркестр под управлением А. Поппе и В. Потапейко

Сцены из фильма

Ольга Михайловна Хорькова – актриса театра и кино, народная артистка России, более 40 лет отдавшая служению Малому театру. Позже она играла в этом же спектакле роль Кабановой.

Катерина – Р. Нифонтова

Дикой – М. Жаров Тихон

Борис Кудряш

Кулигин Полусумасшедшая барыня

Феклуша Шапкин

А. Н. Островский и по сей день является самым популярным русским драматургом. Его экранизируют, по его пьесам ставят спектакли. Кажется, только появившись на свет, его пьесы обречены были стать русской классикой: настолько ярки и одновременно обобщенны характеры его героев. Можно рассматривать эту драму в хрестоматийном ключе: как конфликт “темного царства” с “лучом света”. А можно – просто как историю отчаявшейся души, как историю любви сильной женщины в мире несостоятельных мужчин.

Интернет-ресурсы n http: //www. liveinternet. ru/users/2384045/tags n http: //www. maly. ru/news_more. php? number= 2&day=19&month=9&year=2007 n ru. wikipedia. org

Источник: https://present5.com/drama-a-n-ostrovskogo-groza-na/

На пути к истине (“Гроза” А.Н. Островского в БДТ)

Как всегда, в спектаклях Андрея Могучего, прослеживаются яркие акценты. На этот раз, это красный цвет: Катенька Кабанова, одетая в алое платье; красные облака, воспламеняющиеся от накала страстей.

Красные штрихи яркой нитью проходят почти во всех произведениях режиссера, в «Пьяных» и «Счастье» – это красные субтитры, в новом «Губернаторе» – красный флаг, заявляющий о революции.

В «Грозе» – красное платье и облака.

Интересно решение сценического пространства: к основной сцене приставлен мостик, проходящий через весь зал. Это и дорожка, и мостик, и глубокая река, в которую бросается Катя Кабанова. «Мостик» делит мир на две части – мир живых (относительно живых) людей и мир мертвых, потусторонний мир.

Обратите внимание

Именно по этому мостику к Катерине приходит полусумасшедшая барыня, предсказывающая девушке погибель, и зовя ее в «другой» мир. По мостику же и сама Катерина уходит, решаясь покончить жизнь самоубийством. Больше этого «пути к гибели» не касается никто из героев, как и редко происходит касание актеров пола самой сцены.

Все они выезжают на небольших подмостках, подобно статуэткам, и разыгрывают свою историю стоя либо на своей «сцене», либо перепрыгивая к тому, с кем ведется диалог.

Почему именно такое решение? Наверное, может быть по тому, что весь спектакль оформлен на подобии русской народной хохломской росписи, и режиссер решил поддержать таким образом мотив народного театра, представляя зрителю главных действующих лиц на выезжающих расписных платформах, как куколок.

Общая сценография темная, уходящая в черную глубину, изредка на сцене появляются стволы берез, собаки с горящими красными глазами, молнии и пианист, аккомпанирующий солисту оперной труппы Михайловского театра Александру Кузнецову, играющему роль Бориса – возлюбленного Катерины.

Действие спектакля как будто разбито на небольшие фрагменты: вот история Катерины, ее семьи и Бориса; вот сумасшедшие русские народные танцы под «Калинку», напоминающие зажигательный народный рейв; вот странница Феклуша (арт. Мария Лаврова) рассуждает о бытие.

Если, например, в «Губернаторе» происходит невероятный и очень плавный переход от одного действия к другому, то в «Грозе» эта плавность отсутствует, но не по тому, что «не получилось», а по тому, что контекст спектакля выстроен совершенно по-другому, и эти отдельные «кусочки» не выбиваются из общей гаммы спектакля, из его основного полотна и атмосферы, как и наличие в одном спектакле трех жанров, от оперного до психологического.

Читайте также:  В каком году написано "слово о полку игореве"? (год написания, дата создания)

Говоря об оперном театре, что довольно необычно наблюдать на подмостках БДТ, хочется отметить баритоновую партию Александра Кузнецова. Он единственный профессиональный солист в этом спектакле и представитель оперного театра. Вся его партия пропета ровно и правильно. Александром Кузнецовым продемонстрирована вся гибкость его голоса и широкий диапазон звучания.

Вторым «поющим» актером в спектакле является Виктория Артюхова, артистка труппы БДТ.

Важно

Виктория не оперная певица, а актриса драматического театра, но чистота ее голоса, тонкое ласковое звучание завораживает слух. Влюбляясь, девушка начинает петь прекрасным и нежным сопрано.

Ее голос очень подвижен и виртуозен, и в сочетании с баритоном Александра Кузнецова образуется прекрасный лирический дуэт.

Начинается спектакль со звуков огромного барабана, напоминающего звуки громовых раскатов. Периодически гром от барабана заполняет зал, предшествуя о чем-то нехорошем, о чем-то опасном, как бы заявляя о скором приближении грозы. А гроза то у каждого в спектакле собственная.

У всех героев свой конфликт, у Тихона, мужа Катерины, это невозможность противостоять властной матери (Кабанихе); у Бориса – желание обладать замужней девушкой (Катериной); у Катерины – борьба со своим желанием к Борису.

Но эта гроза разрешит конфликт лишь одного, и относится она, несомненно, к Катерине. 

Девушка признается сестре своего супруга – Варваре в том, что она любит другого мужчину (Бориса), и с этого момента, Катерина озвучивает свою главную проблему и главный страх – желание любить другого, но невозможность быть с ним в силу своей нравственности и семейного положения.

Девушка жалуется Варваре о своей горькой жизни и том, как ей тяжело живется в доме Кабанихи, она воистину несчастна и гаснет в этой колючей и холодной семье с тоталитарной матерью.

Ее муж Тихон – безвольный и бесхребетный человек, не способный защитить жену от материнских нападок и сказать ей слово поперек, он и сам стремится вырваться хоть на несколько дней подальше от дома, устав находиться в подчинении у властной матери. А Марфа Игнатьева Кабанова (арт.

Совет

Марина Игнатова) планомерно и хладнокровно продолжает терроризировать и морально изводить юную девушку, не давая ей никакой возможности попытаться жить в гармонии.

И девушка не выдерживает всего этого давления, рассказывая Варваре о том, как хорошо ей и спокойно жилось до замужества, какая счастливая она была, и как красиво ее одевала матушка, как она гуляла в саду и хранила в себе самые светлые и теплые чувства. Монолог боли Катерины (арт.

Виктория Артюхова) трогает за живое, в ней чувствуется невероятное желание жить и сила этой жизни. От Катерины исходит тот кристальный свет, который отличает девушку от других жителей города, это действительно «лучик света», пусть и красного, но в темном царстве. Виктория Артюхова завела в себе эту энергетическую машину мощного и проникновенного монолога, заслуживающего отдельных аплодисментов, как и игра Алексея Винникова (Тихон).

Тихон у Алексея Винникова вышел настоящим недалеким растяпой, некой марионеткой, которому сказали: «нужно наказать жену!», он и накажет, хоть сам того и не желает.

Это очень точная актерская работа, за этим его внешним безразличием к супруге, деревенской грубостью, чувствуется нежная и трепетная любовь к Катерине с первого его появления на сцене. Эта любовь своеобразная, даже немного нелепая, но в этой картине более глубокая, чем у Бориса (арт. Александр Кузнецов), который погулял-погулял и уехал.

Дел наворотил и сгинул в небытие, а бедной девушке выход один – в реку.

И Борис в исполнении Александра Кузнецова какой-то вышел мраморный, неживой, с ласковым голосом и с четкими движениями: рука налево, шаг вперед, снять шляпу, поклониться… В его игре замечается некоторая статичность, внешне он играет, но не внутренне, от того-то зритель и не видит его любви к Катерине. По спектаклю, так ее и вовсе нет у Бориса, одно страстное мимолетное желание, тогда как девушка прониклась к этому молодому человеку всем своим существом.

Кроме прекрасного пения Бориса, певуче разговаривают между собой и остальные герои.

Они то тянут слова, то быстро-быстро тараторят, как в частушках – снова своеобразный способ демонстрации народного театра, как и лихие и зажигательные народные танцы под «Калинку-малинку».

Обратите внимание

Удивительно, почему не было медведя и балалайки для полного погружения в типичное представление о русской народной культуре.

Варвара, узнав о любви Катерины к Борису, рассказывает ей о нем, но девушка не хочет слушать ее, боясь совершить грех. Катерина противится изо всех сил своему желанию видеть Бориса, и говорит Варваре о том, что если не сдержится в своих страстях, то ее уже ничто не остановит! 

И к счастливому случаю, Тихон собирается уехать на десять дней из дома по делам, оставляя Катерину совсем одну, наедине с собой и своими мыслями.

Девушка хватается за мужа, как за спасательный круг, и просит его не уезжать, не оставлять ее одну, чувствуя, что он – последний сдерживающий фактор от совершения грехопадения. Но грехопадения ли..

? И этот вопрос так же поднимается Андреем Могучим, как и тема измен, красоты, и желания жить по собственным правилам, а не общественным канонам. 

И Катерина срывается, падая в омут с головой в свою губительную любовь, обреченную на смертельный исход. Девушка выбирает прожить эти десять дней, чем существовать годы в семействе Кабанихи. В ней еще есть та сила и то желание любить, способное разрушить все, что можно, но так же и возродить. И разрушение ли это будет, или возрождение, все зависит от складывающихся обстоятельств. 

Ее резкий протест происходит после очередной встречи с полусумасшедшей барыней, предсказавшей ей скорую погибель. Женщина отдает ей связку ключей.

Ключей от собственного сердца Катерины, от любви, которую нужно выпустить на свободу, от желания, которое уже невозможно удерживать в груди, и от смерти… Она распускает Катерине волосы, снимает красную шляпку, и девушка меняется.

Теперь она не послушная девочка, исполняющая наставления свекрови, теперь она будет жить так, как сама захочет, и делать то, что захочет! Сначала, девушка хочет отдать ключ, потом закопать его глубоко-глубоко, чтобы не предаться своему желанию и не совершить грех, но потом она встает с колен, и яро кричит: «Нет! Нет! Никому, никому я его не отдам! Будь, что будет!». Все. Посеянное зернышко дало плоды. Дело сделано, и Катерина без остатка отдается своей любви.

Важно

Ее, конечно, можно осуждать за измену, и можно счесть ее поступок грехом, но действительно ли это так, когда на кону столь сильные чувства, на столько сильные, что ради них девушка готова умереть, искупив сей «грех»? А не было ли грехом предать себя и свои чувства, похоронив их глубоко-глубоко в темном уголочке своей души? Что есть грех, и кто определяет эту греховную границу? Сам человек, или общество, в котором он живет, и которое не шло путем юной девушки? А может быть любовь иногда и есть грех? 

Это чувство борьбы с самим собой прекрасно раскрыто в спектакле, и эта безумная любовь, одержимость, сводит с ума, ведь даже гуляя, непременно оказываешься у окон его дома, и всматриваешься в них.

Дороги сами собой приводят к объекту обожания, как будто сама Судьба соблазняет сделать шаг навстречу, но нутром человек чувствует, что это плохо для него обернется, что за этой любовью – погибель, и тут уже встает вопрос, на сколько сильно желание, чтобы сказать ему «да!», прыгнув в эту темную бездну, в неизвестность, и ведь только падая, можно будет понять, успеешь ли ты выскользнуть из

нее или нет; помогут ли тебе не утонуть в ней, или нет; сохранишься ли ты или разобьешься. И это опасно, но желание манит, и порой очень и очень сильно, требуя в жертву всего тебя, целиком и без остатка. И вопрос тогда к тому, кто ныряет в эту бездну: так ли сильна его любовь, чтобы пропасть в ней..? Чтобы умереть…? И Катерина пропадает, заявляя о своей избранности.

«- Что для тебя любовь?

– Для меня, любовь – это отдать свою жизнь! Вот, что такое любовь.»

И молодые люди встречаются, благодаря свиданию, организованной Варварой. Герои спектакля подъезжают к друг другу на отдельных платформах, и соединяются на них вместе, наслаждаясь встречей и возможностью быть рядом.

Они знают, что их дни сочтены, и для их счастья так мало времени, поэтому каждая их встреча на протяжении десяти дней становится особенной, волшебной и неповторимой. Все десять ночей, Катерина проводит с Борисом. Именно с ним, девушка показывает истинную себя, раскрываясь.

Она тоже начинает петь прекрасным голосом в дополнение к пению Бориса.

Вот они – двое людей, одной волны, созданные друг для друга, но не способные быть друг с другом… Катерина и Борис спускаются со своих «подставок», теперь они не персонажи, исполняющие свои функции и живущие «по закону», теперь они действительно живут, но живут во грехе… 

Феклуша рассуждает о предстоящей грозе, гремит гром, мерцают молнии, гроза уже близко, и женщина задается вопросом, от чего время так быстро пролетает, ведь раньше зима тянулась долго-долго, а теперь пролетает мгновенно, и сама же отвечает на этот вопрос: «Время за наши грехи все короче, и короче делается». 

Совет

Близится гроза, и все жители очень обеспокоены ей, кто-то произносит фразу: «Гроза нам в наказание начинается!», грех совершен, настала пора его искупить… И искупать его будет Катерина. В спектакле будто бы чувствуется ветер, который бывает перед грозами – порывистый и сильный. Ветер, который срывает шляпы и предупреждает о предстоящем ненастье.

На сцене появляется полусумасшедшая, обвиняя Катерину в том, что ее красота «ведет во грехи». «В красоте вся погибель! – кричит женщина. – О смерти забывают, соблазняются на красоту! А отвечать кто будет? Тебе отвечать!» И Катерина отвечает… и за свою красоту, и за свое желание, тихо уходя по мостику, и последний раз взглянув на своего возлюбленного – Бориса.

Да, «красота требует жертв», но не собственных…

Семья Кабановых повсюду ищет Катерину, но не может ее найти, тогда как кто-то из жителей рассказывает, что девушка скинулась в реку, и ударилась виском, и ранка ее маленькая-маленькая, и капелька крови всего одна… Тихон рыдает, и говорит матери, что это именно она погубила его супругу, и он задается вопросом: а на что теперь ему эта жизнь без любимой женщины?

Такая многогранная и разная любовь раскрыта перед зрителями в спектакле «Гроза».

Яркими мазками она переливается в спектакле, подобно ониксу под разнообразным свечением: это и любовь, которая сильнее жизни; и страсть; и мимолетное желание, лишь краткое влечение для одного, и разрушенная жизнь для другого; и любовь искренняя, добрая, хоть и заключенная в сердце безвольного.

Спектакль «Гроза» – это разговор о грехопадении, об измене, о желании, страдании и невозможности жизни без этого сладостного наркотика, от которого невозможно отказаться, стоит лишь единожды пустить его по венам. А на что Вы способны, ради любви? Как писала Зинаида Гиппиус:

«Любовь одна, как смерть одна!», и спектакль Андрея Могучего это в очередной раз подтверждает.

Давиду С. посвящается

Источник: http://tkritika.org/index.php/drama/tragediya/rain-in-bdt

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector